Once Upon a Time… in Hollywood est le Saint Graal de Tarantino

Once Upon a Time… in Hollywood de Quentin Tarantino, est présenté, jusqu’aux ellipses de son titre, sous la forme d’un diptyque. Mais au lieu d’être un moyen de structurer une pièce de divertissement pour des raisons commerciales, comme les films pour Grindhouse, Kill Bill en deux parties et la version roadshow avec Les huits salopards , qui a été interrompue par un entracte, la démarcation sépare deux périodes distinctes : le début de la fin (février 1969) et la fin elle-même (l’été de 1969). Et c’est une juxtaposition qui montre le vieil Hollywood en période de transition.

La partie festive d’Once Upon a Time… in Hollywood

Bien que les films de Tarantino tendent à fournir au public beaucoup de preuves de l’endroit où l’amour de l’auteur pour la sombre histoire de Hollywood trouve ses racines (dans l’exploitation des noirs, des drames de la Seconde Guerre mondiale, des films de kung-fu ou des westerns spaghettis), Once Upon a Time… in Hollywood veut nous donner l’image complète.

En ce sens, Once Upon a Time… in Hollywood n’est rien de moins que le Saint Graal de Tarantino, une déclaration radicale sur toute une génération de la culture populaire américaine et un rendu presque expressionniste de la contre-culture se formant à ses marges, dont l’influence grandit progressivement. C’est un film inhabituellement pensif et qui donne à réfléchir à Tarantino, tout en étant plus drôle et plus divertissant.

Dans la première section du film, le vieil Hollywood s’anime à travers des montages de néons clignotants, d’anciens chapiteaux majestueux de salles de cinéma sur Sunset Strip et des hippies aux cheveux longs qui traînent au coin des rues, essayant de faire de l’auto-stop dans des voitures rutilantes. L’Hollywood de Tarantino à la fin des années 1960 est un terrain de jeu immersif d’opulence et d’iconicité. Grâce aux nombreuses séquences de conduite exaltantes qui jalonnent le film, le quartier de Los Angeles évoque la sensation de vitesse et d’accélération adrénergique.

Deux acteurs qui tentent de percer

Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), une star des westerns télévisés qui essaient de percer dans les films, et son meilleur ami et cascadeur de longue date, Cliff Booth (Brad Pitt), parcourent cet Hollywood à la vitesse supérieure. Les deux personnages sont des fabrications complètes, de même que la plupart des titres auxquels ils sont associés, comme Kill Me Now Ringo, Said the Gringo et Three in an Attic.

Et tandis que Tarantino détourne son récit à travers la description de ces projets fictifs, en nous soumettant à de nombreuses scènes de Dalton jouant différents personnages, ceci semble au début une excuse pour créer des versions parodiques de produits hollywoodiens jetables, comme les fausses bandes-annonces qui apparaissent entre Planet Terror et Death Proof à Grindhouse. Mais ces scènes servent en fait à esquisser la dynamique changeante sur les plateaux de cinéma de la fin des années 1960, comme l’émergence du jeu de rôle et elles positionnent également Dalton comme une sorte de substitut de Tarantino.

Etre obsolète dans une époque qui change

Dans l’une des séquences les plus intelligentes du film, Dalton régale sa co-star de huit ans (Julia Butters). Entre deux scènes, il interprète le tournage d’un western à petit budget, avec l’histoire du roman qu’il a lu. Le personnage de l’histoire est un cow-boy vieillissant qui était autrefois le meilleur, mais qui est maintenant l’ombre de lui-même.

Alors que Dalton raconte l’histoire du malheur de l’homme et de tous ses maux et douleurs, il commence à grimacer, reconnaissant à quel point tout cela s’applique à lui. Mais la façon dont la séquence se déroule, avec la jeune fille en mode féministe percutante qui met Dalton à sa place quand il tente de l’appeler par un joli surnom, met effectivement Tarantino sur la sellette et, d’ailleurs, DiCaprio, un autre artiste dans une carrière vieillissante qui comporte le danger de devenir obsolète et de ne pas être en phase avec son époque.

La seconde partie d’Once Upon a Time… in Hollywood

Avancer sur une piste parallèle aux récits de Dalton et Booth est un autre scénario, celui pour lequel Once Upon a Time… in Hollywood est déjà devenu tristement célèbre. La vraie Sharon Tate (Margo Robbie) en vient à se sentir comme l’inverse de Dalton et Booth, ses voisins d’à côté dans le film. La jeune fille se promène dans les soirées avec son mari, le célèbre réalisateur polonais Roman Polanski (Rafal Zawierucha) et son bon ami Jay Sebring (Emile Hirsch).

Si l’époque qui change menace de laisser tomber et d’ignorer Dalton et Booth, ils attirent trop l’attention de Tate. A divers moments du film de Tarantino, elle est vue et convoitée de loin, comme dans une scène dans laquelle Steve McQueen (Damian Lewis) bavarde tout en la lorgnant lors d’une fête. Dans la meilleure scène du film, Tate se regarde elle-même: lors d’une projection en matinée du véhicule de Dean Martin, The Wrecking Crew (1968) de Phil Karlson.

Une illustration sans concession de Sharon Tate

La séquence résonne en grande partie pour ses couches, avec Robbie, en tant que Tate, observant la vraie Tate (Tarantino utilise les images réelles de The Wrecking Crew pour la scène). Le tout suggère une sorte de boucle de rétroaction inquiétante de la célébrité et de ses cycles de consommation, mais c’est aussi une scène profondément émouvante.

Enclenchant le moment sans effort, et sans aucun dialogue, Robbie répond, en personnage, au film, à un niveau diégétique en regardant sa propre performance, mais en même temps, il y a aussi la couche métatextuelle ajoutée de Robbie qui regarde l’actrice même qu’elle joue.

C’est l’engagement du film de renforcer ses thèmes avec de telles couches d’auto-réflexivité, tout en ancrant ses concepts dans des personnages pleinement réalisés et investis émotionnellement, qui en fait l’un des grands films de Tarantino. Un effort dense mais ciblé qui valide le statut d’artiste qui divise une des figures pop-culturelles prééminentes du cinéma américain.

Un final digne d’un Tarantino

C’est aussi cette lentille réflexive à travers laquelle il est possible de voir Once Upon a Time… in Hollywood qui rend son finale plus difficile à déduire du faux pas qu’il semblerait être autrement. Sans surprise, Tarantino revient à certaines de ses tendances de choc et de blague les plus vexantes et gaspille même une partie de la gravité émotionnelle de son film.

Mais il est difficile de nier avec quelle efficacité il prépare l’avenir, alors qu’au milieu d’un débat intense entre les membres de la famille Manson, une jeune femme (Mikey Madison) prononce un édit incendiaire: Si tu grandis en regardant la télévision, tu as grandi en regardant un meurtre, mon idée est de tuer ceux qui nous ont appris à tuer !

Ce sentiment paralysant devient le point central de la seconde moitié du film, beaucoup plus sombre, qui prend six mois à venir pour prendre la température d’Hollywood à la veille des meurtres de Charles Manson. Alors que le paysage et l’identité socioculturelle d’Hollywood continuent de changer, se rapprochant d’une comedown post-floraison, Once Upon a Time… in Hollywood revêt une qualité élégiaque.

La mort et la renaissance d’une génération à Hollywood

Ce changement facilite l’une des plus brillantes gouttes de créativité de Tarantino à ce jour. Le clip Out of Time nostalgique, blessé et sinistre des Rolling Stones jouant le montage de Dalton et Booth revenant à Los Angeles d’un séjour en Europe et d’une Tate enceinte la préparant à la maison pour l’arrivée de son petit garçon.

Le flash et le plaisir de la première moitié du film cèdent la place à un déclin obsédant dans la vallée de l’alcoolisme et à de plus en plus de signes qu’une nouvelle génération est sur le point de remplacer l’ancienne. Et, inévitablement, ces tensions se dissipent un soir d’août sur Cielo Drive, à Hollywood Hills.

C’est cette séquence, et l’ultraviolence de marque Tarantino qu’elle inaugure, qui pèse le plus lourdement sur un film qui se préparait à une tragédie mais se termine loin de là. Reste que cette subversion ouvre la voie à notre compréhension de l’intention plus large du commentaire de Tarantino dans Once Upon a Time… in Hollywood, qui consiste moins à aborder la violence que les gens commettent les uns contre les autres qu’à lamenter la violence existentielle qui soutient certains et laisse les autres hors du temps.

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